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Akira, avant de devenir un film culte, était un
manga culte. 1300 pages d’une épopée énergique, fantasque et ténébreuse. 1300
pages concentrées en deux heures, c’est le défi qu’Otomo a tenté de relever.
Alors nécessairement, la compréhension est parfois difficile pour le profane,
pour celui qui n’a pas lu et relu l’intégralité du manga. Mais là n’est pas
l’essentiel. J’ai pour ma part vu le film avant de lire la manga, et si, à
partir de la 2ème minute, on commence effectivement à ne plus rien
comprendre, cela n’empêche pas le spectateur d’être fasciné par une esthétique
et un propos entièrement nouveau.
Akira raconte la vie de deux amis d’enfance, Tetsuo le mal aimé, le souffre douleur des cours de récré, et Kaneda le chef, le leader. Ils appartiennent tous deux à un gang dont la principale occupation est de sillonner les routes de Neo Tokyo au guidon de motos toujours plus puissantes, enivrés par l’alcool et autres substances plus corrosives. Sur ce fond de mal-être social, se greffe une intrigue politique opposant terroristes et armée gouvernementale qui se battent pour la possession d’un pouvoir, nouveau et destructeur, puisqu’il a causé l’annihilation de Tokyo en 1993. Quel est-il ? Nul ne peut vraiment le dire, mais il repose sur un nom : Akira. Un enfant doté de pouvoirs psychiques exceptionnels lui donnant le contrôle de l’espace et du temps. Tetsuo, en rencontrant un enfant échappé du centre d’expérimentation gouvernemental, verra des pouvoirs similaires s’éveiller en lui.
Si le propos se veut résolument orienté vers les
adultes, développant des thèmes classiques (amour, amitié, violence, pouvoir),
Akira est le théâtre de perpétuelles trouvailles, aussi bien graphiques que
scénaristiques. En dehors de l’exceptionnelle qualité graphique, qui sublime
complètement le manga, Otomo a décidé d’explorer ce que cette nouvelle forme
d’expression (le « dessin animé ») et ce que la technologie lui
offraient comme nouvelles perspectives. Ainsi, chaque plan fut retravaillé à
l’ordinateur (notamment pour les couleurs) et ce fut l’un des tous premiers
films d’animation à se servir de ces nouveaux moyens qui sont aujourd’hui
monnaie courante. Akira, c’est aussi la première superproduction du film
d’animation, avec un budget de 70 millions de francs, ce qui était énorme à
l’époque de sa production, en 1988. Cette pléthore de moyen lui permettra de
donner six mois au musicien responsable de la bande originale pour composer cet
univers sonore unique, teinté d’électronique mais aussi de chants traditionnels
japonais.
L’un des grands mérites d’Akira, c’est de nous
proposer des effets visuels démontrant s’il était nécessaire, l’immense liberté
laissée à celui qui maîtrise l’art du film d’animation. Dans la première scène,
celle de la poursuite à motos, on voit les traînées des phares des engins,
comme sur ces photos à très longues expositions prenant la place de l’Etoile,
qui en quelques heures de pose montrent des centaines de traînées lumineuses.
Cet effet, difficilement réalisable en prise de vue réelle, magnifie l’action
rapide, en l’immortalisant.
Grâce à de tels procédés, le spectateur est happé
dans l’univers proposé, peut-être plus facilement que dans un film classique.
Dans un film d’animation, on peut tout faire croire et tout montrer, même le plus
incroyable, et c’est ce qui fait toute la grandeur du spectacle : c’est
l’immersion totale. Bref, si Akira est un film culte, c’est autant pour ses
qualités propres que pour ses qualités de pionnier, le premier vrai film
d’animation pour adulte (hormis quelques rares films de Laloux et autres longs
métrages tchequo-polonais…). Akira montre qu’au delà de l’univers graphique,
l’animation en elle même peut être un fort vecteur de diffusion de l’identité
du film. Derrière Otomo, de nombreux réalisateurs tenteront de poursuivre dans
cette voie, dont quelques uns présents sur le tournage de Akira, comme Oshii
qui créera ensuite Ghost In The Shell.
"GoogleWhack est un jeu apparu début 2002, inventé par Gary Stock. Le principe du GoogleWhack est simple : trouver une recherche dans Google basée sur 2 noms communs qui n'aboutisse qu'à un seul résultat. Les noms propres et les marques sont interdits. Un système d'attribution de points a ensuite été mis en place : le nombre de points attribué à un GoogleWhack est égal au produit du nombre de résultats obtenus pour les 2 requêtes effectuées sur chacun des 2 mots pris séparément. C'est beaucoup plus dur que ça en a l'air !" (Dico du Net)
J'ai retrouvé de vieux google whack de 2002 que j'avais trouvé à l'époque (mais ce ne sont plus des google whack aujourd'hui! )
Ortolan albanais
Salmigondis putréfié
Babybel unanime
Fennec heideggérien
Émonctoire oxydatif
Derviche flingueur
Raton cogneur
Oenologue exterminateur
Galvanisation cramoisie
Carrossier démiurge
Pisciculteur lunatique
Bobsleigh polisson
Proxénète anticonstitutionnel
Bellâtre acariâtre
Cryptogamie fortuite
Sans-culotte protéiné
Alligator superfétatoire
Diplomate masturbateur
Hexapode malcommode
Quand on lit les articles concernant Squarepusher, et particulièrement ceux traitant d’Ultravisitor, tout le monde est à peu près d’accord : la musique de Squarepusher est géniale mais on n’y comprend rien. Lui prétend qu’il ne la comprend pas lui-même (coquetterie mégalomane ou extra lucidité).
Globalement, Squarepusher est traité comme un demi-dieu par nombre d’artiste reconnus d’horizons divers (Björk, Radiohead, Outkast), tandis que les critiques sont dubitatifs. En réalité chacun trouve généralement quelque chose d’intéressant dans sa musique : les hardcore ravers aiment se trémousser sur sa « drill’n bass » la plus violente (ne me demandez pas ce qu’est la drill’n bass), les amoureux de Miles apprécient lorsqu’il joue sa batterie ou sa basse live, les expérimentaux fans d’Autechre s’enflamment pour la touche musique concrète de certains de ces morceaux. Squarepusher c’est tout ça à la fois, comme disait Aphex Twin : « Tom Jenkinson is the first man in history to orchestrate an akai-seltzer fizzing a two mega byte simms memory upgrade chip (with 1 nanosecond access time) and a toilet flushing. » C’était à ses débuts, on pourrait rajouter aujourd’hui un gamélan indonésien, une voix pitchée qui rappe ou un ensemble de cuivre dissonant.
Du coup les commentaires déclinent celui de Dorian Lynskey du Guardian : « Infuriates as often as it delights. ». Selon ses propres goûts, on aime tel ou tel morceau, en regrettant qu’il n’en fasse pas plus dans ce « style » qui nous sied (lui dirait ghetto), et on n’aime pas du tout tel ou tel autre, cette juxtaposition créant un sentiment désagréable d’incohérence dont on s’accommode en terminant par un : « de toute façon il doit beaucoup se droguer ».
Dans un manifeste sorti avec son avant-dernier album, Squarepusher proclamait que pour ne pas être cantonné dans un ghetto, il devait incorporer tous les ghettos en lui-même, essayant par là de verbaliser sa démarche, de justifier ses volte-face. C’est d’une grande arrogance, mais d’une grande ambition aussi.
On a fortement tendance à juger la musique d’une façon référentielle, à catégoriser et c’est normal car la musique est fondamentalement l’expression de notre culture (à tel point que l’on démontre expérimentalement que la compréhension d’une structure musicale est moins liée aux connaissances explicites que l’on en a qu’au fait d’appartenir à la culture d’où a émergé cette structure).
Dans cette optique, on peut dire bien des choses intéressantes sur Ultravisitor, que cet album synthétise son précédent travail (on pourra par exemple penser que le morceau titre est la synthèse de « Go Plastic » et Tetra Sync celle de « Music Is Rotted One Note », soit Don’t Go Plastic…). On pourra citer les nombreuses références présentes (de Miles à Cage), analyser la structure de l’album avec un climax sonore au milieu et une construction par opposition binaire (Ultravisitor / I Fulcrum, Andrei / 50 cycles, Circlewave / Tetra –Sync), ce qui d’ailleurs nous fera vite tomber dans la surinterprétation.
On aura envie de découper, disséquer, pour essayer de se rassurer en ramenant tout ça à du connu. Mais on pourra aussi essayer d’écouter Ultravisitor simplement, naïvement, en commençant par le début ou par la fin, en ayant écouté tout Squarepusher avant ou pas, en connaissant Miles Davis, LFO, Pierre Henry ou pas… On peut simplement essayer de voyager avec Tom Jenkinson (qui d’ailleurs est peut-être un gros con prétentieux... ou pas !).
On the shoulders of giants...
What’s great nowadays is that the true meaning of the « Internet » shows up: the inter – connected – network.
We, at U.[lik], are “12 months old coders”, but : we try to give to our U.[sers] a personalized “video radio” thanks to our new “my U.[tube]” widget. Our U.[sers] can use it on their personal homepage or show their “cultural bookmarks” on their blog. To make this experience better we illustrate our database with images, videos and texts written by experts. We also try to make some money with great shopping and advertising services. Finally, we improve our database thanks to the greatest source of information in the world…
To me, the true web…
We won’t be better than these great services, so we ask a new question: instead of “what do you want?” we ask : “ who are you really ?”. It’s a more complicated question (believe me!), but we think that a beginning of an answer could be very interesting…
Who are you really ?
So, we are on the shoulders of giants…
“On the Internet, Nobody Knows You're a Dog”
Until now ?
La massclusivity (exclusivity for the
masses) est une nouvelle tendance de comportement des consommateurs. Elle
consiste à rechercher le sentiment d’être privilégié, même dans ses actes de
consommation courante, et les marques s’en servent dans leur marketing. Un très
bon exemple de massclusivity appliquée au monde du web, c’est la stratégie d’inscription
de Gmail, où l’on ne peut s’inscrire que sur invitation. En réalité, tout le
monde a un compte Gmail maintenant, mais cette façon de s’inscrire donne le
sentiment d’être un privilégié, d’appartenir à une communauté restreinte (ce
qui n’est évidemment plus le cas !).
Le phénomène parisien « bourgeois bohème » peut être
vu comme une expression de la massclusivity : la coexistence d’une
contradiction entre la nécessité d’être au cœur du système et l’aspiration à être
à l’extérieur du système (boire un verre de bon bordeaux devant les eaux saumâtres
du canal saint martin…)
Certains artistes ont la particularité de bien correspondre
au phénomène de massclusivity ; Björk (dont vous pouvez voir qu’elle fait
partie de mon Hall of Fame) en est pour le moi le meilleur exemple : elle
dégage une identité très forte et particulière (on la classera volontiers comme
« inclassable ») alors qu’elle est dans le même temps extrêmement
populaire et finalement assez consensuelle. Les œuvres de Michel Ocelot comme Kirikou
et la Sorcière
ont de mon point de vue les mêmes caractéristiques. 
Ces œuvres ou artistes ont
une forte identité mais peu de possibilité d’identification au contraire d’autres
succès populaires comme les Bronzés qui ont peu d’identité mais une forte
potentialité d’identification. En fait, cette tendance en apparence contradictoire ne l’est
pas vraiment dans notre monde moderne, mais souligne que l’équilibre aujourd’hui
se trouve en essayant de faire coexister le besoin d’être rassuré
et le besoin de fantasmer (dans des environnements souvent étanches). Pour caricaturer, beaucoup
de jeunes français veulent être fonctionnaire, mais ils aiment aussi Björk… Il
y a d’un côté la vie réelle et ses impératifs (manger) dans un contexte
économique difficile, et la vie rêvée où se logent les fantasmes et les
aspirations de chacun. D’où le succès des services qui permettent de s’échapper
dans un avatar qui accentue la séparation entre identité réelle et identité
virtuelle, ce qui n’est pas à appréhender comme une schizophrénie mais comme la recherche
d’un nouvel équilibre...
